中国姑娘用女性身体做展，斩获国际大奖（组图）
10月28日，
英国V&A博物馆重磅推出
“多维：中国当代工作室工艺”，
集中呈现自20世纪80年代以来，
中国在陶瓷、玻璃、漆艺、金属、
纤维与艺术首饰等领域的创新成果。
“多维：中国当代工作室工艺”部分参展作品，图源：英国V&A博物馆
与日益繁荣的中国手工艺创作实践相比，
海外对这一领域的研究与收藏仍相对有限。
本次展览源于V&A博物馆自2021年启动的
中国当代工作室工艺的系统研究与收藏项目，
正是为了填补这一空缺，
勾勒出中国当代工艺的变迁与成就：
传统技艺如何在当代语境中焕发新的生命力？
独立工作室，如何用双手和创意推动
工艺与社会的对话？
此次入选参展的多位艺术家
都是一条的老朋友，
包括唐明修、郝镇瀚、杜蒙、赵谨雅、王克震、柳溪、耿雪等。
借着展览开幕之际，
我们一起回顾他们的故事。
编辑：朱玉茹、余璇、陈沁、陈稻稻
摄影：孟昊
85后山东姑娘柳溪，从小生长在一个“男尊女卑”的家庭，她拼命读书，终于在复读一年后，考进了中央美术学院的雕塑系。
尽管身处大城市，她还是时常感觉到无力和焦虑。2014年，她一个人跑到景德镇，租下了一栋毛坯房作为工作室，专心创作。
她首先把妈妈的搓衣板，带到了《妈妈》系列的陶瓷创作当中；又大胆做出了与女性身体有关的系列作品，相继斩获了西班牙、葡萄牙等国际大奖。
《妈妈》系列 搓衣板细节
《我们的神很了不起》系列 摄影
《泥日》系列在上海 Objective 空间
2019年，柳溪首次在国内举办个展，女性观众都很喜欢她的作品，许多男性观众却选择绕道走开。
柳溪说：“老家的重男轻女现象还一直存在，女性的成长需要男性的合作，彼此尊重对方，才能共同去解决这个问题。”
以下是柳溪的自述。
我叫柳溪，1986年出生在山东淄博。出生的时候，家人期待的是一个男生，看到是一个女生的时候，我妈妈当场就哭了。整个成长过程，我也能感受到各种不重视。
小时候觉得，在山东，只有考学能改变一个女生的境遇。所以我拼命用功读书，甚至高三还复读了一年，最后才艰难地考进了中央美术学院。
童年柳溪与妈妈
《妈妈》系列 | 2015年至今
大学期间，画了很多插画，越来越发现艺术对我来说是一种精神疗愈，能把自己从小到大遇到的痛苦、纠结的问题都阐述出来。
2015年，我回山东老家，看到墙角妈妈用过的搓衣板。当时感触很深，因为工作、生活离家特别远，见到妈妈的机会特别少。
从小到大，每隔一个时间段，母亲的形象都是有变化的。上一次我回家，跟妈妈约在一个地方见面，她站在远处，我都没有把她认出来。当时心一颤，觉得妈妈在衰老、在变矮。
上海 创+空间 “予她同行”展览现场
陶瓷有两个特性：一是它很容易碎；二是在烧制之后，大概会收缩17%。
这跟母亲在不断付出的同时，自身是很脆弱的特性很吻合。我就想通过制作一件陶瓷的搓衣板，去表达我对于母亲的爱。
收集的搓衣板
首先是把我妈妈的搓衣板，带到了《妈妈》系列的陶瓷创作当中。
过去五年，我又收集了各种各样的搓衣板。有的是河边公用一米多长的搓衣板，有少数民族的、朝鲜族的、松花江的，还有双喜图案的搓衣板。
之前，我在印度做驻地，从加尔各答到新德里的火车上，看到了哭泣的妈妈送别女儿的场景。发现除了中国之外，世界其它角落，也在发生着同样的故事。
《心垢》系列 | 2017
首先用石膏的模具把搓衣板翻制，但翻制出来之后，搓衣板完全没有老旧破损的效果。
所以会在原先的泥巴的基础上，通过工具把老旧、磨损的肌理，一点点模仿出来。
搓衣板石膏模具
目前这个系列已经制作了23块搓衣板，最后会以38块结尾。
《我们的神很了不起》系列 | 2018至2019
2018年，我去印尼巴厘岛参加了一个驻地计划，发现当地的女性基本上都只是待在家里做一些劳作，没有机会在社会上实现自己的价值。
当时，还有很多来自欧洲各国的女性艺术家，她们的创作非常大胆、自信。三十多岁了，却能放下工作，出来学陶瓷，每天享受生活、晒太阳，这跟当地女性产生了一种强烈的对比。
我立刻想到了自己的成长经历，像我这样出生在三四线城市的女孩，曾经跟她们有着相同的境遇。现在虽然有一定的自我意识，但也不够强烈，更像是在夹缝中的状态。
于是，我就想到了创作《我们的神很了不起》这组作品。
女性的生殖器官上面，印着蕾丝的图案，非常大胆。
蕾丝最初在十八世纪的欧洲宫廷被使用，而且是手工编织。今天，蕾丝被大量地机械化制作，我想借此暗示女性的自我觉醒。
同时，这组作品的材料是富含铁质非常多的一种泥巴，烧制之后的表面就像金属铁的颜色，这里的铁门象征一种窗口，代表机遇和迈进。
2019 上海Artplus Gallery个展现场
2019年，我回到上海举办自己第一个展览的时候，这组作品也有展出。
当时有很多人不好意思看这组作品，尤其是男生，直接忽略过去了。女生会很激动地去聊这组作品，并且产生很多共鸣。
女性只有充分意识到自己的身体特质，才会有可能发挥自身的能量和潜力。
在三四线城市，我们有时候喜欢把命运交给神，其实我们就是自己的神。女性自身就像宝藏，有自己意想不到的能量。
《心垢》系列 | 2017 作品细节
《泥日》系列 | 2017
未来，我还是会以陶瓷材料创作为主，也会夹杂创作更多的玻璃材质的作品。
陶瓷和玻璃都是非常脆弱的材料。当我把“脆弱”这个点挖掘更深的时候，我想自己对坚强的认知会更强烈。
《我们身处何方》系列 | 2018
老家“重男轻女”的现象还一直存在，只是相比较以前有些好转。现在那里的女性有更多机遇去了解自己，但这些还是远远不够的。
尽管我们在高考时是没有性别差异，但我们在工作中，还会面临着许多男女之间的不平等。女性的成长需要男性的合作，彼此尊重对方，才能共同去解决这个问题。
赵瑾雅和作品合影（摄影：何俊杰）
长春姑娘赵瑾雅，是一位在读博士，也是玻璃艺术家。
2017年，年仅23岁的她，在捷克领取国际玻璃奖项“李宾斯基”奖，成为该奖第一位中国获奖者。
玻璃吹制工艺，要在超1000℃的炉温前工作，几何造型的克制冷静，色彩变幻的热烈情感，很难想象眼前这位纤细的姑娘，可以完成如此复杂和大体量的作品。在国内，全职投入玻璃创作的职人和艺术家不足50人。
时间推回到2014年，她20岁，在中国美术学院念大二，那一年她在杭州看了一场国际玻璃展览，深受震撼，决定不论如何也要试一试，于是读本科、研究生、博士，在玻璃艺术领域，一做8年。
以下是赵瑾雅的自述。
景德镇陶溪川产业区
我主要做的是吹制玻璃，每天都要面对1000度以上的炉温。今年夏天高温高达40度，你可能站一会儿就觉得自己要融化了。
吹制玻璃工艺门槛比较高，你首先要克服对于热、对于未知的恐惧，在挑料炉和遛火炉之间往复操作，在手臂下面给高温的玻璃塑形。
在挑料炉前挑玻璃料
用湿报纸给玻璃塑形（摄影：Rachel）
玻璃吹制
使用专门制作的工具台对接作品部件（摄影：Rachel）
对玻璃作品进行打磨
吹制的第一步，是打开挑料炉的炉门，用1.4米长的不锈钢吹管来“挑”料。“料”指的是熔融状态的玻璃，挑出来之后，我们会用打湿的报纸、木板、石墨板来给玻璃塑形。
为了让玻璃始终保持柔软和高温，近旁还有一个遛火炉，要不断地把玻璃放进去加热；退火炉的作用，则是根据玻璃作品的薄厚，调整它的退温曲线来给作品降温，一般要放置24小时，防止玻璃在退温过程中裂开；等玻璃冷却下来，还需要进行冷加工，包括再次塑形、调整细节、喷砂和打磨表面。
和玻璃老师们一起合作（摄影：何俊杰）
三位与赵瑾雅合作多年的玻璃老师 巩克海 李富昌 张平（摄影：何俊杰）
因为我的作品体量比较大，需要团队合作，和我合作很多年的三位老师也在这里。巩老师审美很棒，也很懂我的点，一个极小的弧度细节，我一说他就能领会；张老师是一个超级有耐心的人，力量很大，只有他在我们才敢做大型的作品；李老师是一个古灵精怪的老师，性格很活泼，眼疾手快，在创作过程中，需要任何工具，他都能马上做出来。我常常说他是短跑冠军。
工作室里满墙的1:1作品草图
玻璃颜料块
我的作品草图都是1:1的，他们很可爱，常常会开玩笑说：“瑾雅，你到底还有多少那种讨厌的图？”
我觉得“吹制”是很讲逻辑的事情，我们要先想出来一步一步怎样做，哪怕一步做错了，后面都没办法实现。我做作品的失败率很高，现在有一件作品，底下的部件吹了7次都还没成功，老师开玩笑说，“小八也死在了摇篮里”。
《洱海18:37》2022年
记忆中，洱海日落时，阳光从云的间隙洒下来，眼看着太阳慢慢落山，仿佛闭上眼睛，整个眼前都是这种很艳丽的橙色。
《旧时集》2022年
摄影：何俊杰
《旧时集》是关于之前在海边的经历，还记得弟弟在玩沙子，不舍得离开，当时全家都在一起，很美好。现在疫情，没法去跟他们团聚。所以这件作品，追溯了那年夏天的家庭记忆，我个人的心情，还有整个世界的状态。
《回忆之年》2022年
《回忆之年》是一个很大的挑战，其中包含很多仿佛在吹制工艺中不可能实现的造型，但我们却实现了出来。它的色彩很丰富，顽皮却也很冷静。那些球球，都是在吹制过程中粘上去的，需要在短时间内判断它们的位置。
《池中莲》2022年
夏天的色彩总是很直观的，不论什么颜色，在阳光的直射下都变得更加闪耀。我很喜欢荷叶的形态，它们平平整整浮在水面，有自然的力量与美，《池中莲》想要呈现的，首先是一个3D的环境，荷叶莲花一层层叠起来并缩小的景观。
《绿野仙踪》2022年
除了绿色之外，夏天还有天空的蓝色，晚霞的紫色。我在《绿野仙踪》顶部，做出一些颜色的反应，达到龟裂的效果，就像湿漉漉的青苔，石子上面滑溜溜的。它是一体成型的，在工艺上挑战也非常大。
这些作品围绕着几个核心：几何形态、色彩变幻、磨砂质感，完全不认识的人过来参观，很快能认得出“这个是瑾雅的作品”。而我和玻璃的缘分，要从大学说起。
23岁时，赵瑾雅在捷克
领取国际玻璃奖项“李宾斯基”奖特等奖
我从小在长春长大，大学的时候，我考到中国美术学院，大二分专业，恰好在那一年，我在杭州看了一场国际性玻璃展览，叫“透器透气”。那是我第一次看到玻璃的作品，被震撼到，我就说我一定要尝试。
说实话，玻璃专业坚持下来真的蛮难的，在国内，很大的困境在于你毕业了之后，很难找到相关方向的就业。可能跟我的性格也很有关系，从小比较一根筋，既然做了就要坚持。
《不存在的存在Ⅲ》2020-2021年（摄影：王志）
《不存在的存在_双》（摄影：何俊杰）
其实做玻璃到现在，一路都很幸运。研究生毕业展时，有画廊看到我的作品，便和我一直合作到现在，让我可以不为生计发愁，更专心地投入创作。所以即便玻璃是一个很小众的艺术门类，我还能持续地做下去。
几年前，有一个学妹突然发消息给我，说“学姐你现在就打开窗帘，我看着今天晚上的月晕，就想到了你的作品。”
其实我想表达的东西，就是生活中的诸多美好，它可能是很抽象的，你这一秒不跟别人说出来，下一秒就忘了，而我把它凝固、存留在作品里。
艺术家唐明修，中国漆画界响当当的先锋人物，四年前一场事故让他被判“脑死亡”，58岁时人生清零，重新开始。
他出生于福建福州，这里从明清开始就是中国漆艺的重镇。
26岁时，他的漆画在中国最高规格的美术展览“六届美展”上获银奖，和漆画界前辈乔十光、郑力为并列。之后他频获大奖，陆续在日、美、俄（前苏联）、德、意办展。
唐明修在工作室里，身后是他做了20多年的大碗，是用毛竹搭起框架，再用瓦灰和漆制作而成的。如今里面堆放着杂物，他说有机会要把碗完成。
36岁，他在福州北峰山上修了一座“漆园”。历史上曾拥有过“漆园”的名人有两位：春秋时期的庄子和唐代的王维。
唐明修在园中半隐居十几年，将古老的东方漆艺与当代艺术融为一体，创作臻入化境，一再轰动漆艺界。
美国国会图书馆也收藏了他的作品，并称他为“东方漆艺第一人”。他又在中国美术学院创办了第一个漆画专业，十年培养了近百名学生。
《西藏的树》1985年78cm×30cm
《唐古拉山》1986年120cm×80cm
画一幅漆画，从制作漆板到完成画面，大概得花六到八个月的时间。而此时作品并未真正完成，漆有自己的生长期，随着时间延长，漆的颜色会变，俗话称画面“开了”。这个过程得再等上四个月，一晃眼，一年就过去了。
“做漆，最重要的是学会忍耐与等待。”这是唐明修曾对学生反复讲的一句。
漆屏风系列·局部 2000年180cm×240cm
卖画给唐明修带来丰厚的收入，却也让他对自己的创作起了困惑：难道漆画就是不断地模仿油画，就是不断重复技艺？一定不是这样。
他转头上山修起了漆园，专心在园子里发展自己的艺术。漆园虽美，但很潮湿，海拔虽不高，冬季却冷到让人坐立难安，说是在这里生活和创作，其实更像是一种修行。在漆园里诞生的作品，有如“礼器一般神秘而庄重”，“那是一种东方特有的仪容”。
《锦衣》2002年50cm×53cm
《锦衣》系列，灵感据说来自一批刚刚出土的织物。唐明修选择在麻布上，直接让漆留下质朴而自然的痕迹。
《虫书》2003年85cm×116cm
《虫书》，在漆和银箔之下，古书的残页若隐若现。那是他看到虫子把书给蛀了以后在想，那些文字都去了哪里？
《断纹》系列 2000年170cm×170cm
还有《断纹》，那是他最具颠覆性的作品。漆能千年不腐，要想在漆面上看到断纹，要么是年代太过久远，历经风霜的漆面断裂，露出了内在的麻布胎、木胎，要么就是做漆的人出现重大失误，是一件残次品。
而唐明修的“断纹”，恰恰就是人为在制造“残损”，用人工的方法，制造出只有时间才能制造的痕迹。 他想让观者看到漆的另一面，是岁月沉淀之后的残缺之美。
如今的漆园，里面除了最初的几棵漆树，还有柿子树、银杏树、桂花树，以及大大小小的水缸、石磨、柱础、石雕。
这些看似破烂的“宝贝”，都是唐明修一点点收来的。当年福州里有不少老房子，因改造被拆除，一些门窗、榻椅、饭桌、窗格，唐明修看着不舍，就买下来，再搬到山上。
工作室里，几张老木头桌子靠墙放着，桌上放了很多装漆的瓷碗，上面盖着保鲜膜，积了不少灰。据说都是些老漆，别看面上干了，再添一点儿新漆，它们又能重新“活”过来。
摔伤事故之后，唐明修把一切都忘了。唯一没忘的就是漆的感觉。在窗前的长条桌上，他把之前夹在书里的树叶一片片拿出来。都是漆过的，红的、绿的、金的、褐的……他把已完成的那些放在了一边，然后小心地拿起一片“裸叶”，用漆刷沾上调好色的黄漆，一点点涂起来。
“我的名字里有个‘修’，可能命中注定就是要修点什么东西吧。”他笑道。
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